La science-fiction a toujours fait partie du cinéma. En effet, le cinéma lui-même était vénéré comme une merveille technologique lors de son invention, et les images désormais banales d'ouvriers quittant une usine ou de trains arrivant à une gare pouvaient susciter des halètements d'admiration. L'ancien magicien de scène Georges Méliès a réalisé très tôt la capacité du médium à créer du fantastique avec des premiers classiques comme Un voyage sur la Lune et Le voyage impossible .
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Aujourd’hui, le genre a produit plus que sa part de chefs-d’œuvre, répartis dans toute l’histoire du cinéma. Rotten Tomatoes a récemment dressé une liste, classé selon son score global et comportant quelques surprises à l'échelon supérieur. Voici une répartition du top 20 : une collection aussi appropriée que possible des meilleurs du genre.
vingt Une orange mécanique (1971)
La parabole dystopique de Stanley Kubrick sur le libre arbitre et la nécessité du mal a déclenché une tempête de feu lors de sa sortie. L'extrême violence et le message troublant du film ont plongé les censeurs dans une frénésie qui, ironiquement, n'ont fait que faire valoir leurs arguments. Aujourd'hui, il est considéré comme un visionnage incontournable, et l'idée d'en adoucir le punch est presque un sacrilège.
Une orange mécanique bénéficie également de la performance hypnotique de Malcolm McDowell dans le rôle d'Alex le Droog, un jeune sadique joyeux dont la « réforme » aux mains de l'État devient le principal sujet de discussion du film. Aussi troublant qu'il puisse être, l'humanité ne pourrait pas survivre sans ses semblables. Les censeurs ont peut-être trouvé cette pilule encore plus difficile à avaler que la violence.
19 RoboCop (1987)
La dystopie de Paul Verhoeven frise la satire pure et simple à bien des égards. Les entreprises géantes et les voyous criminels qui dirigent le futur Détroit sont presque des dessins animés, et leur monde est une distorsion amusante de la société et de la culture de consommation des années 80.
Mais il n’y a rien de drôle à propos de Murphy, le bon flic tué dans l’exercice de ses fonctions et ressuscité en tant que « futur des forces de l’ordre » cybernétique. L'acteur Peter Weller ne laisse jamais le public oublier le sort angoissant de son héros, ancrant le slapstick et rappelant au public à quel point son avenir farfelu est proche de la réalité réelle. Il tourne RoboCop d'une blague courante à un classique du genre indélébile.
18 Le jour où la Terre s'est arrêtée (1951)
La science-fiction dans les années 1950 cela signifiait généralement soit des envahisseurs venus de l'espace, soit des insectes géants qui se déchaînaient. Le jour où la Terre s'est arrêtée a adopté une approche totalement différente, puisqu'un extraterrestre bienveillant arrive à Washington DC pour être traité avec peur et suspicion.
Ce renversement tend un miroir au public – comme le fait toujours la meilleure science-fiction – et lui pose des questions que les exemples de genre plus réactionnaires évitaient à l’époque. Le film délivre son message au milieu d'effets visuels révolutionnaires et de séquences désormais classiques telles que le robot Gort désintégrant les chars et les canons dans un éclat de lumière. Bien qu’il s’adresse directement à l’époque qui l’a créé, son message n’a pas diminué avec le temps.
17 Akira (1988)
L'animation libère l'imagination des créateurs plus que tout autre média, surtout à une époque où les effets spéciaux limitaient ce qu'un film pouvait révéler. Akira est allé encore plus loin en affirmant que l'animation n'était pas réservée aux enfants. Son histoire puissante sur un futur dystopique de Tokyo a brisé tous les préjugés.
Au-delà de ses visuels, le film perdure grâce à son exploration surprenante du libre arbitre, alors que des « espers » psychiques se battent contre un gouvernement terrifié par leur existence. Ce n’est pas nouveau pour le genre, mais aucun film – animé ou autre – ne l’a jamais réalisé avec la même vision singulière.
16 Enfants des hommes (2006)
La science-fiction évoque régulièrement la fin du monde, mais elle implique généralement une fin spectaculaire. Enfants des hommes montre l’humanité sortant avec un gémissement plutôt qu’avec un fracas, alors qu’une perte soudaine de fertilité nous laisse lentement vieillir dans l’oubli. Pourtant, nous jouons toujours aux mêmes jeux – politique, racisme et révolution – même lorsque le rideau tombe.
Le réalisateur Alfonso Cuarón livre ses séquences uniques avec un effet à couper le souffle, en particulier la finale où le protagoniste cynique de Clive Owen amène un nouveau-né à travers une foule de soldats étonnés. Mais c'est la tragédie humaine qui retient l'attention des téléspectateurs, associée au rappel que l'espoir – et les héros – viennent des endroits les plus surprenants.
quinze Le Terminateur (1984)
James Cameron est devenu si connu pour ses budgets énormes que le voir fonctionner avec un budget restreint est une nouveauté en soi. Le terminateur a été réalisé pour moins de 10 millions de dollars, obligeant Cameron à innover et à créer un chef-d'œuvre. Les scènes d'action du film se déroulent très près de l'os, tandis que son scénario de killbot voyageant dans le temps a touché une corde sensible qui a lancé une franchise improbable.
Mais en fin de compte, le film appartient à Arnold Schwarzenegger , qui a décidé de jouer le méchant du film à la place du héros Kyle Reese. Son fort accent et son physique de champion étaient parfaits pour un robot sans émotion. Et son dialogue immortel juste avant la démolition d'un commissariat de police de Los Angeles reste l'une des répliques cinématographiques les plus citées de tous les temps.
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14 Bord de demain (2014)
Bord de demain a mis du temps à trouver son public. Mais c'est jour de la marmotte L'intrigue a vieilli comme un bon vin, alors que le soldat pas particulièrement héroïque de Tom Cruise se retrouve pris dans une répétition sans fin du même jour fatal lors d'une invasion extraterrestre apparemment imparable.
Les fans de jeux vidéo reconnaîtront le gadget simple, le protagoniste du film étant douloureusement conscient du bouton « réinitialiser » à chaque fois qu'il est tué. Mais le réalisateur Doug Liman l'utilise pour donner à l'action une véritable résonance émotionnelle. Les résultats sont une boîte de puzzle infiniment divertissante qui nécessite presque plusieurs visionnements.
13 Aliens (1986)
Aliens a servi de preuve de la vision créative de Cameron. Face à l'ombre intimidante du classique de Ridley Scott Extraterrestre , il transforme l'histoire en une grossière parabole du Vietnam. Des bureaucrates maussades dirigent toujours l'humanité lorsqu'un nid extraterrestre est découvert dans une colonie lointaine, et leur arrogance est pleinement visible lorsqu'ils envoient une escouade de Marines trop confiants directement dans la fosse aux lions.
Cameron propose une autre gamme de séquences d'action époustouflantes et de personnages secondaires mémorables dans le processus. (Bill Paxton a pris l'habitude de voler la vedette ici.) Sigourney Weaver a remporté sa première nomination aux Oscars - et la couverture de Temps – en tant qu'héroïne renaissante, Ellen Ripley, qui se bat pour la vie d'une fille porteuse. Ce fut un moment décisif pour la représentation, arrivant au milieu d’une suite déjà magnifique.
12 Star Wars : Épisode V – L'Empire contre-attaque (1980)
Avant L'empire contre-attaque, les suites étaient pour la plupart une affaire minable, à quelques exceptions près comme Le Parrain, 2e partie . George Lucas et le réalisateur Irwin Kirshner ont détruit cette notion pour toujours dans le deuxième chapitre de ce qui est devenu l'une des plus grandes franchises de tous les temps. Leur galaxie, au loin, est devenue plus grande, plus sauvage et plus dangereuse à mesure que les héros de la rébellion se retrouvaient sous le choc de la contre-attaque de l'Empire.
Empire a également bénéficié des scénaristes Leigh Brackett et Lawrence Kasdan, qui maîtrisaient bien mieux les dialogues. En conséquence, les personnages se sont considérablement améliorés, à mesure que la romance entre Han et Leia s'épanouit et que Luke Skywalker apprend à ses dépens les limites de ses capacités. Un nouvel espoir a changé le cinéma, mais L'empire contre-attaque modifié Guerres des étoiles , ouvrant la porte à tout ce qui s'est passé depuis.
onze La chose (1982)
Le remake de John Carpenter de La chose est un exemple d’avertissement pour tout critique qui croit avoir le dernier mot. Décrié à sa sortie quand E.T. L'extraterrestre était la prunelle de tous les yeux, il renaît de ses cendres de façon spectaculaire. Aujourd'hui, il est non seulement considéré comme l'un des meilleurs de Carpenter, mais il figure souvent en tête des listes des meilleurs films d'horreur et de science-fiction.
Et comme il sied au réalisateur, il s’en tient résolument aux affaires. Le public ne sait jamais pourquoi la créature titulaire est arrivée sur Terre, ni ce qu'elle veut. Il s’est propagé comme un virus, provoquant un brouillard de paranoïa et de récriminations parmi l’équipe de recherche qui tombe dessus. Les effets pratiques de Rob Bottin sont aussi horriblement convaincants aujourd’hui qu’ils l’étaient en 1982.
dix Mad Max : Fury Road (2015)
Le spectacle a toujours joué un rôle clé dans la science-fiction. George Miller possédait un talent singulier pour résumer cela à une pure intensité sensuelle, en particulier avec son Mad Max films qui dépendent presque entièrement des visuels. Mais personne n’était préparé à l’impact total de Route de la fureur lorsque le réalisateur est retourné dans l'arrière-pays post-apocalyptique pour un dernier tour.
Et quelle aventure ce fut. Alors que le stoïque Max de Tom Hardy était ostensiblement au centre de l'attention, la vraie chaleur venait de Furiosa de Charlize Theron : faire sauter le harem du seigneur de guerre local et affronter son armée de maraudeurs pour assurer leur sécurité. Cela a donné à l’action une orientation résolument féministe, livrée avec une vérité étonnante dans un paysage cinématographique dominé par CGI. Près d’une décennie plus tard, le monde du cinéma est toujours en convalescence.
9 Extraterrestre (1979)
Les films de maisons hantées doivent garder leurs personnages piégés à l’intérieur d’une manière ou d’une autre, de peur qu’ils ne brisent une fenêtre et ne se dirigent vers les collines. Ridley Scott a réinventé ce concept pour l'espace – la porte verrouillée ultime – puis a libéré un monstre pour les âges dans Lovecraftian Xenomorph de H.R. Giger. En guise de réponse de relance, Extraterrestre n'a peut-être pas d'égal.
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À cela, Scott a ajouté un monde futur étonnamment plausible vu à travers les yeux de l'équipage de son navire négrier. Leurs seigneurs corporatifs les considéraient comme inutilisables face au potentiel du Xénomorphe en tant qu'arme, et l'équipage lui-même était également divisé selon des critères de classe. Cela a fait du film plus qu’un simple refroidisseur et a ainsi ouvert un univers étonnamment riche.
8 Terminator 2 : Jour du Jugement (1991)
Terminateur 2 est devenu un classique précisément parce qu'il a développé l'original plutôt que de simplement ressasser la même intrigue. Cela a renversé la boucle de cause à effet du premier film, alors que Sarah Connor et son jeune fils tentaient d'arrêter une apocalypse qu'eux seuls pouvaient voir venir.
Schwarzenegger s'est à nouveau emparé de chaque image, réinventant son sinistre T-800 comme le sauveur improbable de l'humanité. Il a joué le même personnage d'une manière si différente que les deux performances semblent désormais liées, perdre l'une diminue l'autre. Cet accomplissement ne pourra jamais être reproduit.
7 Création (2010)
Christopher Nolan s'est fait un nom sur des films de haut niveau comme Mémento et Insomnie. Ils ont utilisé les attributs de thrillers simples pour examiner de près des notions fascinantes. Cette tendance a atteint son apogée en Création , une poupée russe d'un film empilant plusieurs réalités les unes sur les autres.
En apparence, cela a fonctionné comme une image de braquage, lorsque Leonardo DiCaprio a emmené une équipe dans les rêves d'un PDG afin de lui implanter une idée dans le cerveau. Mais alors que les enjeux immédiats étaient évidents, le monde autour des protagonistes – et du public – a changé jusqu'à ce que personne ne puisse être entièrement sûr de la réalité. Tout cela fait bien sûr partie du plan de Nolan, Création dans l'un des films les plus mémorables de son CV.
6 La matrice (1999)
La matrice La plus grande réussite de l'Union est peut-être d'ordre pratique : son arrivée en mars 1999 pour voler la vedette au Star Wars : Épisode I – La menace fantôme et en plus, en élargissant la saison cinématographique d'été. Il a également révélé un univers de science-fiction fascinant, dans lequel les humains vivent une fausse vie dans un monde VR créé par les machines qui les dirigent désormais. .
Les suites se sont révélées au mieux mitigées, mais la force de l’original reste inébranlable. Les Wachowski – qui ont réalisé les quatre films – ont trouvé le cœur de leur philosophie dans Neo et ses amis de Keanu Reeves. Alors que les gens s’échappent chaque jour dans des mondes virtuels dans le monde moderne, les leçons de perception et d’identité sont plus pertinentes que jamais.
5 Star Wars : Épisode IV – Un nouvel espoir (1977)
Star Wars : Épisode IV – Un nouvel espoir C'était un désastre garanti jusqu'au jour de son ouverture. Le réalisateur George Lucas est parti en vacances à Hawaï pour éviter les conséquences. Au lieu de cela, c’est devenu un phénomène comme personne n’en avait vu auparavant.
Et pourtant, malgré toute son influence inestimable sur les 45 dernières années, il reste un film étonnamment simple dans son cœur, alors qu'un groupe de héros querelleurs unissent leurs forces pour s'en prendre aux fascistes locaux. Lucas l'a calqué sur les feuilletons fanfarons des années 1930, renforcés par des effets spéciaux au-delà de tout ce que Buster Crabbe a jamais apprécié. Cette combinaison est arrivée au bon moment et a créé l’une des pierres de touche culturelles les plus importantes du XXe siècle.
4 Métropole (1927)
Métropole était autant de la fantaisie que de la science-fiction, avec ses titres promettant un monde « ni d'aujourd'hui, ni du futur ». Ses paysages art déco et ses images saisissantes d'industrie et d'intrigues sont en grande partie de leur époque à certains égards, mais le réalisateur Fritz Lang l'a libéré de ces préoccupations grâce à la puissance de sa narration.
À bien des égards, tous les autres films de science-fiction depuis lors ont une dette envers Métropole . Et même si une grande partie du film a été perdue au fil des années, la récente restauration n'a fait qu'améliorer sa réputation. Sans cela, le genre n’aurait pas d’étoile directrice.
3 Coureur de lame (1982)
Coureur de lame est arrivé à l'été 1982, quand tout film de science-fiction sans nom E.T. la montée allait être difficile. Les critiques ont d'abord été émerveillées par les visuels mais insensibles à l'histoire : une critique courante du genre qui se retourne souvent contre elle avec le temps. La vision de Ridley Scott exploite le potentiel de Métropole dans un futur Los Angeles qui ressemble aux films noirs des années 1940.
À cela, il a associé un Frankenstein -intrigue de style sur des androïdes « réplicants », impossibles à distinguer des humains, qui cherchent un but à leur existence au-delà du simple esclavage. Les résultats combinaient une philosophie enivrante et des spéculations scientifiques intrigantes. Même si sa version de 2019 est peut-être passée, sa vision continuera de définir la science-fiction pour les décennies à venir.
2 Retour vers le futur (1985)
Retour vers le futur est une surprise et figure si haut sur la liste de Rotten Tomatoes. Le film – et ses deux suites – sont certainement considérés comme des classiques des années 80. Mais ils sont généralement considérés comme plus légers que les Coureur de lame ou Enfants des hommes. Ironiquement, le temps lui-même a établi leur bonne foi. Quatre décennies plus tard, ils restent presque universellement appréciés.
Le sens de la comédie du premier film – et le duo dynamite à l’écran composé de Michael J. Fox et Christopher Lloyd – résistent facilement aux visionnages répétés. C'est également l'un des premiers films à présenter au grand public des concepts tels que les univers alternatifs et les paradoxes du voyage dans le temps. D’une manière ou d’une autre, cela en a fait la référence incontournable de la culture pop pour l’un des concepts les plus importants du genre.
1 2001 : L'Odyssée de l'espace (1968)
Alors que l’humanité envisageait de se rendre sur la Lune, Stanley Kubrick révélait rien de moins que la condition humaine en l’espace de 139 minutes. Son récit étrange – souvent sans dialogue – a commencé au début de l’histoire de l’humanité, alors que des extraterrestres invisibles transformaient une tribu de singes voyous en quelque chose de nouveau. Trois millions d’années plus tard, les singes régnaient toujours sur notre âme lorsque ces mêmes extraterrestres ont fait connaître leur présence.
La question centrale du film porte moins sur les extraterrestres eux-mêmes que sur notre capacité à accueillir nos meilleurs anges. Kubrick a élégamment ajouté une histoire de Frankenstein à tout cela, alors que l'IA conçue pour nous aider à prendre contact a décidé que nous étions superflus pour la mission. Au milieu de tout cela, les images saisissantes ont captivé son public, qu'il s'agisse de planètes en mouvement ou d'un simien sauvage transformant le premier outil en première arme.
